Vor nicht allzu langer Zeit war die Musikindustrie ein „geschlossener Club“. Es war schwierig, sich darauf einzulassen, und der öffentliche Geschmack wurde von einer kleinen Gruppe kontrolliert.erleuchtet» Experten.
Aber jedes Jahr verliert die Meinung der Eliten an Wert und Kritiker werden durch Playlists und Algorithmen ersetzt. Lass uns dir erzählen, wie es passiert ist.
Foto /Unsplash
Musikindustrie vor dem 19. Jahrhundert
In der europäischen Musikwelt gab es lange Zeit keine Regeln, Hierarchien und Berufseinteilungen, die wir gewohnt sind. Es gab nicht einmal unser übliches Modell der Musikausbildung. Die Rolle von Musikschulen spielten oft Kirchen, in denen Kinder unter Anleitung eines Organisten lernten – so erhielt der zehnjährige Bach seine Ausbildung.
Das Wort „Wintergarten“ tauchte im 16. Jahrhundert auf und bedeutete , wo den Schülern Musik beigebracht wurde. Konservatorien, die der modernen Definition des Begriffs entsprechen – mit einem Wettbewerb um die Zulassung, einem klaren Bildungsprogramm und Karriereperspektiven – verbreiteten sich erst im 19. Jahrhundert in ganz Europa.
Auch das Komponieren hatte lange Zeit keinen besonderen Stellenwert. Viele der heute populären Klassiker verdienten ihren Lebensunterhalt als Interpreten, Dirigenten und Lehrer.
Bevor Mendelssohn Bachs Musik populär machte, blieb der Komponist vor allem als herausragender Lehrer in Erinnerung.
Foto /Unsplash
Die größten Kunden für Musik waren Kirche und Adel. Die ersten brauchten spirituelle Werke, die zweiten brauchten unterhaltsame. Sie waren es, die kontrollierten, welche Musik das Licht hörte – auch wenn sie selbst eine oberflächliche Einstellung zur Musik hatten.
Darüber hinaus war der Lebenszyklus jeder Komposition zu dieser Zeit nach modernen Maßstäben sehr kurz. „Rockstars“ waren damals Virtuosen – Tourmusiker, die herausragende technische Fähigkeiten bewiesen. Jedes Jahr aktualisierten sie ihr Repertoire – in der neuen Saison wurden neue Werke von ihnen erwartet.
Deshalb, wie Der Cambridge-Professor und Pianist John Rink teilte in seinem Aufsatz aus der Sammlung „The Cambridge History of Music“ Komponisten ihre Werke oft in kurzlebige „Hits“ für das Repertoire von Konzertkünstlern und langlebige „Unvergängliche“ ein. Die Musikproduktion wurde in diesem Zusammenhang aufs Fließband gebracht.
Die Geburt der akademischen Musik
Die etablierte Ordnung begann sich an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert zu verändern, als sich die Einstellung der gebildeten Europäer zur Musik veränderte. Dank romantischer Trends ist das Konzept . Die Eliten begannen, in der europäischen Instrumentalkultur etwas Absolutes zu sehen, das sich von den Trends der sich verändernden Mode unterschied.
Heutzutage nennen wir diese Herangehensweise an Musik akademisch.
Wie jedes edle Streben brauchte auch die „hohe“ Musik Systeme, die ihre Reinheit bewahren und schützen. Dies wurde von wohlhabenden Kunstmäzenen (von Adligen und Industriellen bis hin zu Königen) unternommen, deren ist prestigeträchtiger denn je geworden.
Foto / Wiki
Mit ihrem Geld wurden Bildungseinrichtungen und Kulturinstitutionen aufgebaut, die heute den Kern der klassischen Musikwelt bilden. Damit verteidigte die Elite nicht nur ihren Platz in der europäischen Musikkultur, sondern übernahm auch die Kontrolle über deren Entwicklung.
Musikkritik und Journalismus
Auch die ersten Zeitungen, die Rezensionen zu Musikwerken veröffentlichten, entstanden Ende des 18. Jahrhunderts – etwa zeitgleich mit dem Aufkommen der uns bekannten Konservatorien, Philharmonischen Gesellschaften und Musikschulen. Wenn Bildungseinrichtungen die Messlatte für die Qualität von Aufführungen und Kompositionen festlegten, wurde dies von Kritikern in Frage gestellt.
Ihre Aufgabe, das Ewige vom Vergänglichen zu unterscheiden, betonte die Zeitlosigkeit der hohen Musik in der akademischen Tradition. Bereits im XNUMX. Jahrhundert bemerkte der Gitarrist Frank Zappa bissig: „Über Musik zu reden ist wie über Architektur zu tanzen.“ Und das völlig berechtigt.
Musikkritik hat ihre Wurzeln in der Musikwissenschaft, Ästhetik und Philosophie. Um eine gute Rezension zu schreiben, müssen Sie über Kenntnisse in allen drei Bereichen verfügen. Der Kritiker muss die technischen Aspekte des Werkes des Musikers und Komponisten verstehen, ästhetische Urteile fällen und die Verbindung des Werkes mit dem „Absoluten“ spüren – über das Spezifische hinaus. All dies macht Musikkritik zu einem ganz besonderen Genre.
Bald nach ihrem Erscheinen gelangte die Musikkritik von Fachpublikationen auf die Seiten der populären Presse – Musikkritiker konnten sich als integraler Bestandteil der journalistischen Kultur etablieren. Vor der Verbreitung von Tonaufnahmen rezensierten Musikjournalisten Aufführungen, insbesondere Uraufführungen.
Die Reaktion der Kritiker auf die Uraufführung der Komposition könnte über ihr weiteres Schicksal entscheiden. Zum Beispiel danach Rachmaninows erste Symphonie auf den Seiten der St. Petersburger Publikation „News and Exchange Newspaper“, das Werk wurde erst nach dem Tod des Komponisten aufgeführt.
Angesichts der Notwendigkeit, die technische Seite der Komposition zu verstehen, wurde die Rolle des Kritikers oft von den Musikkomponisten selbst übernommen. Die oben erwähnte Rezension wurde von verfasst - Mitglied der „Mighty Handful“. Sie waren auch für ihre Rezensionen bekannt und Schumann.
Musikjournalismus wurde zu einem wichtigen Element des neuen Musikökosystems des 19. Jahrhunderts. Und wie andere Aspekte dieser jungen „Industrie“ wurde auch sie von einer gebildeten, privilegierten Elite mit akademischen Standards kontrolliert.
Im XNUMX. Jahrhundert wird sich die Situation dramatisch ändern: Eliten werden durch Technologie ersetzt, werden Komponistenkritiker durch professionelle Musikjournalisten und DJs ersetzt.
Foto /Unsplash
Wir werden in unserem nächsten Artikel darüber sprechen, welche interessanten Dinge in dieser Zeit in der Musikkritik passiert sind. Wir werden versuchen, es so schnell wie möglich vorzubereiten.
PS Unsere aktuelle Materialserie „".
Source: habr.com