No hace mucho, la industria de la música era un “club cerrado”. Era difícil entrar y el gusto del público estaba controlado por un pequeño grupo".ilustrado» expertos.
Pero cada año la opinión de las élites se vuelve cada vez menos valiosa y las críticas han sido reemplazadas por listas de reproducción y algoritmos. Te contamos cómo sucedió.
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La industria musical antes del siglo XIX
Durante mucho tiempo, en el mundo de la música europea no existían las reglas, la jerarquía y la división en profesiones a las que estamos acostumbrados. Ni siquiera existía nuestro modelo habitual de educación musical. El papel de las escuelas de música a menudo lo desempeñaban las iglesias, donde los niños estudiaban bajo la dirección de un organista; así es como Bach recibió su educación, de diez años.
La palabra "conservatorio" apareció en el siglo XVI y significaba , donde a los estudiantes se les enseñó música. Los conservatorios que responden a la definición moderna del término (con un concurso de ingreso, un programa educativo claro y perspectivas profesionales) no se extendieron por toda Europa hasta el siglo XIX.
Durante mucho tiempo la composición tampoco tuvo mucho prestigio. Muchos de los clasicistas ahora populares se ganaban la vida como intérpretes, directores y profesores.
Antes de que Mendelssohn popularizara la música de Bach, el compositor era recordado principalmente como un maestro destacado.
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Los mayores clientes de la música eran la iglesia y la nobleza. Los primeros necesitaban obras espirituales, los segundos necesitaban obras entretenidas. Eran ellos quienes controlaban qué música escuchaba la luz, incluso si ellos mismos tenían una actitud superficial hacia la música.
Además, en aquella época el ciclo de vida de cada composición era, según los estándares modernos, muy corto. Las “estrellas del rock” entonces eran virtuosos: músicos de gira que demostraban una capacidad técnica excepcional. Actualizaban su repertorio cada año; se esperaban nuevas obras de ellos en la nueva temporada.
Por eso, como El profesor y pianista de Cambridge John Rink, en su ensayo de la colección "La Historia de la Música de Cambridge", los compositores a menudo dividían su trabajo en "éxitos" de corta duración para el repertorio de concertistas y "imperecederos" de larga duración. La producción musical en este contexto se puso en una cadena de montaje.
El nacimiento de la música académica.
El orden establecido comenzó a cambiar a finales de los siglos XVIII y XIX, cuando cambió la actitud misma de los europeos educados hacia la música. Gracias a las tendencias románticas, el concepto. . Las élites empezaron a ver en la cultura instrumental europea algo absoluto, diferente de las tendencias de la moda cambiante.
Hoy en día llamamos académico a este enfoque de la música.
Como cualquier actividad noble, la música “alta” necesitaba sistemas que mantuvieran y protegieran su pureza. Esto fue llevado a cabo por ricos mecenas de las artes (desde nobles e industriales hasta reyes), cuyos se ha vuelto más prestigioso que nunca.
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Fue con su dinero que se construyeron instituciones educativas e instituciones culturales, que ahora son el núcleo del mundo de la música clásica. Así, la élite no sólo defendió su lugar en la cultura musical europea, sino que también tomó el control de su desarrollo.
Crítica musical y periodismo.
Los primeros periódicos que publicaban reseñas de obras musicales también comenzaron a publicarse a finales del siglo XVIII, aproximadamente al mismo tiempo que surgieron los conservatorios, las sociedades filarmónicas y las escuelas de música que conocemos. Si las instituciones educativas fijaron el estándar de calidad interpretativa y compositiva, los críticos lo cuestionaron.
Su tarea de distinguir lo eterno de lo transitorio enfatizó la atemporalidad de la alta música en la tradición académica. Ya en el siglo XX, el guitarrista Frank Zappa señaló cáusticamente que “hablar de música es como bailar sobre arquitectura”. Y con toda razón.
La crítica musical tiene sus raíces en la musicología, la estética y la filosofía. Para escribir una buena reseña, es necesario tener conocimientos en las tres áreas. El crítico debe comprender los aspectos técnicos de la obra del músico y compositor, emitir juicios estéticos y sentir la conexión de la obra con lo "absoluto", más allá de lo específico. Todo esto hace de la crítica musical un género muy específico.
Poco después de su aparición, la crítica musical pasó de las publicaciones especializadas a las páginas de la prensa popular: los críticos musicales lograron establecerse como una parte integral de la cultura periodística. Antes de la proliferación de grabaciones sonoras, los periodistas musicales revisaban las actuaciones, en particular los estrenos.
La reacción de la crítica ante el estreno de la composición podría determinar su destino futuro. Por ejemplo, después La primera sinfonía de Rachmaninov en las páginas de la publicación de San Petersburgo "News and Exchange Newspaper", la obra no se interpretó hasta la muerte del compositor.
Dada la necesidad de comprender el aspecto técnico de la composición, el papel de los críticos lo desempeñaban a menudo los propios compositores musicales. La reseña mencionada anteriormente fue escrita por - Miembro del "Puñado Poderoso". También eran famosos por sus críticas. y Schumann.
El periodismo musical se convirtió en un elemento importante del nuevo ecosistema musical del siglo XIX. Y al igual que otros aspectos de esta joven "industria", también estaba controlada por una élite educada y privilegiada con estándares académicos.
En el siglo XX la situación cambiará dramáticamente: Las élites serán reemplazadas por la tecnología, los compositores-críticos están siendo reemplazados por periodistas musicales y DJs profesionales.
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Hablaremos de las cosas interesantes que sucedieron con la crítica musical durante este período en nuestro próximo artículo. Intentaremos prepararlo lo antes posible.
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Fuente: habr.com