Non molto tempo fa, l’industria musicale era un “club chiuso”. Era difficile entrarci e il gusto del pubblico era controllato da un piccolo gruppo."illuminato» esperti.
Ma ogni anno l’opinione delle élite diventa sempre meno preziosa e i critici sono stati sostituiti da playlist e algoritmi. Ti raccontiamo come è successo.
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Industria musicale prima del XIX secolo
Per molto tempo nel mondo musicale europeo non c'erano regole, gerarchia e divisione in professioni a cui siamo abituati. Non esisteva nemmeno il nostro solito modello di educazione musicale. Il ruolo delle scuole di musica era spesso svolto dalle chiese, dove i bambini studiavano sotto la guida di un organista: è così che Bach, dieci anni, ricevette la sua educazione.
La parola "conservatorio" apparve nel XVI secolo e significava , dove agli studenti veniva insegnata la musica. I conservatori che soddisfano la definizione moderna del termine - con un concorso di ammissione, un programma educativo chiaro e prospettive di carriera - si diffusero in tutta Europa solo nel XIX secolo.
Per molto tempo anche la composizione non è stata particolarmente prestigiosa. Molti dei classicisti ormai popolari si guadagnavano da vivere come artisti, direttori d'orchestra e insegnanti.
Prima che Mendelssohn rendesse popolare la musica di Bach, il compositore era ricordato principalmente come un insegnante eccezionale.
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I maggiori clienti della musica erano la chiesa e la nobiltà. La prima aveva bisogno di opere spirituali, la seconda di opere divertenti. Erano loro a controllare quale musica ascoltasse la luce, anche se loro stessi avevano un atteggiamento superficiale nei confronti della musica.
Inoltre, a quel tempo il ciclo di vita di ciascuna composizione era, per gli standard moderni, molto breve. Le “rock star” allora erano dei virtuosi: musicisti in tournée che dimostravano eccezionali capacità tecniche. Aggiornavano il loro repertorio ogni anno: da loro si aspettavano nuovi lavori nella nuova stagione.
Ecco perché, come Il professore e pianista di Cambridge John Rink, nel suo saggio tratto dalla raccolta "The Cambridge History of Music", i compositori spesso dividevano il loro lavoro in "successi" di breve durata per il repertorio di concertisti e "immortali" di lunga durata. La produzione musicale in questo contesto è stata messa su una catena di montaggio.
La nascita della musica accademica
L'ordine stabilito iniziò a cambiare a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, quando cambiò l'atteggiamento stesso degli europei istruiti nei confronti della musica. Grazie alle tendenze romantiche, il concetto . Le élite iniziarono a vedere nella cultura strumentale europea qualcosa di assoluto, diverso dalle tendenze della moda in cambiamento.
Oggi chiamiamo questo approccio alla musica accademico.
Come ogni nobile ricerca, la musica “alta” necessitava di sistemi che ne mantenessero e proteggessero la purezza. Ciò fu intrapreso da ricchi mecenati delle arti (da nobili e industriali a re), i cui è diventato più prestigioso che mai.
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È con i loro soldi che sono state costruite istituzioni educative e culturali, che oggi sono il fulcro del mondo della musica classica. Pertanto, l'élite non solo ha difeso il proprio posto nella cultura musicale europea, ma ha anche preso il controllo del suo sviluppo.
Critica musicale e giornalismo
Anche i primi giornali che pubblicavano recensioni di opere musicali iniziarono ad essere pubblicati alla fine del XVIII secolo, più o meno contemporaneamente alla comparsa dei conservatori, delle società filarmoniche e delle scuole di musica a noi familiari. Se le istituzioni educative stabiliscono lo standard per la qualità dell'esecuzione e della composizione, i critici lo mettono in dubbio.
Il loro compito di distinguere l'eterno dal transitorio ha sottolineato l'atemporalità della musica alta nella tradizione accademica. Già nel Novecento il chitarrista Frank Zappa osservava causticamente che “parlare di musica è come ballare di architettura”. E abbastanza giustamente.
La critica musicale ha le sue radici nella musicologia, nell'estetica e nella filosofia. Per scrivere una buona recensione è necessario avere conoscenze in tutte e tre le aree. Il critico deve comprendere gli aspetti tecnici del lavoro del musicista e compositore, esprimere giudizi estetici e sentire la connessione dell'opera con l '"assoluto" - oltre lo specifico. Tutto ciò rende la critica musicale un genere ben preciso.
Subito dopo la sua apparizione, la critica musicale è passata dalle pubblicazioni specializzate alle pagine della stampa popolare: i critici musicali sono riusciti ad affermarsi come parte integrante della cultura giornalistica. Prima della proliferazione delle registrazioni sonore, i giornalisti musicali recensivano le esibizioni, in particolare le anteprime.
La reazione della critica alla prima della composizione potrebbe determinarne il destino futuro. Ad esempio, dopo La prima sinfonia di Rachmaninov sulle pagine della pubblicazione di San Pietroburgo “News and Exchange Newspaper”, l'opera non fu eseguita fino alla morte del compositore.
Data la necessità di comprendere l'aspetto tecnico della composizione, il ruolo di critico veniva spesso svolto dagli stessi compositori musicali. La recensione sopra menzionata è stata scritta da - Membro del "Mighty Handful". Erano famosi anche per le loro recensioni e Schumann.
Il giornalismo musicale divenne un elemento importante del nuovo ecosistema musicale del XIX secolo. E come altri aspetti di questa giovane “industria”, anch’essa era controllata da un’élite istruita e privilegiata con standard accademici.
Nel XX secolo la situazione cambierà radicalmente: Le élite saranno sostituite dalla tecnologia, i critici-compositori vengono sostituiti da giornalisti musicali professionisti e DJ.
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Di quali cose interessanti sono accadute con la critica musicale durante questo periodo parleremo nel nostro prossimo articolo. Cercheremo di prepararlo il prima possibile.
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Fonte: habr.com