Cách đây không lâu, ngành công nghiệp âm nhạc còn là một “câu lạc bộ khép kín”. Rất khó để tham gia và thị hiếu của công chúng bị kiểm soát bởi một nhóm nhỏ."giác ngộ" Các chuyên gia.
Nhưng mỗi năm ý kiến của giới tinh hoa ngày càng trở nên ít giá trị hơn và các nhà phê bình đã bị thay thế bởi danh sách phát và thuật toán. Hãy cho bạn biết nó đã xảy ra như thế nào.
Hình ảnh /Unsplash
Ngành công nghiệp âm nhạc trước thế kỷ 19
Đã từ lâu, trong thế giới âm nhạc châu Âu không có những quy tắc, thứ bậc và sự phân chia thành những ngành nghề mà chúng ta quen thuộc. Thậm chí còn không có mô hình giáo dục âm nhạc thông thường của chúng tôi. Vai trò của các trường âm nhạc thường do các nhà thờ đảm nhiệm, nơi trẻ em học dưới sự hướng dẫn của một người chơi đàn organ - đây là cách cậu bé Bach XNUMX tuổi được giáo dục.
Từ "nhạc viện" xuất hiện vào thế kỷ 16 và có nghĩa là , nơi học sinh được dạy âm nhạc. Các nhạc viện đáp ứng định nghĩa hiện đại của thuật ngữ này - với sự cạnh tranh đầu vào, chương trình giáo dục rõ ràng và triển vọng nghề nghiệp - chỉ lan rộng khắp châu Âu trong thế kỷ 19.
Lâu nay, việc sáng tác cũng không có gì đặc biệt uy tín. Nhiều nghệ sĩ cổ điển nổi tiếng hiện nay kiếm sống bằng nghề biểu diễn, nhạc trưởng và giáo viên.
Trước khi Mendelssohn phổ biến âm nhạc của Bach, nhà soạn nhạc này chủ yếu được nhớ đến như một người thầy xuất sắc.
Hình ảnh /Unsplash
Khách hàng lớn nhất của âm nhạc là nhà thờ và giới quý tộc. Việc đầu tiên cần những công việc tâm linh, việc thứ hai cần những việc giải trí. Chính họ là người kiểm soát loại nhạc mà ánh sáng nghe - ngay cả khi bản thân họ có thái độ hời hợt với âm nhạc.
Hơn nữa, vào thời điểm đó, vòng đời của mỗi thành phần, theo tiêu chuẩn hiện đại, rất ngắn. “Ngôi sao nhạc rock” lúc đó là những nghệ sĩ điêu luyện—những nhạc sĩ lưu diễn đã thể hiện khả năng kỹ thuật xuất sắc. Họ cập nhật tiết mục của mình hàng năm - những tác phẩm mới được mong đợi từ họ trong mùa giải mới.
Đó là lý do tại sao, làm thế nào Giáo sư và nghệ sĩ piano John Rink của Cambridge, trong bài luận từ tuyển tập “Lịch sử âm nhạc Cambridge”, các nhà soạn nhạc thường chia tác phẩm của họ thành những “bản hit” ngắn ngủi dành cho tiết mục của những người biểu diễn hòa nhạc và những bản “bất diệt” kéo dài. Việc sản xuất âm nhạc trong bối cảnh này được đưa vào dây chuyền lắp ráp.
Sự ra đời của âm nhạc học thuật
Trật tự đã được thiết lập bắt đầu thay đổi vào đầu thế kỷ 18 và 19, khi thái độ của những người châu Âu có học thức đối với âm nhạc đã thay đổi. Nhờ xu hướng lãng mạn, khái niệm . Giới tinh hoa bắt đầu nhìn thấy trong văn hóa nhạc cụ châu Âu một điều gì đó tuyệt đối, khác với xu hướng thời trang đang thay đổi.
Ngày nay chúng tôi gọi cách tiếp cận âm nhạc này là học thuật.
Giống như bất kỳ mục tiêu theo đuổi cao quý nào, âm nhạc “cao cấp” cần có những hệ thống có thể duy trì và bảo vệ sự thuần khiết của nó. Việc này được thực hiện bởi những người bảo trợ nghệ thuật giàu có (từ quý tộc, nhà công nghiệp đến các vị vua), những người có đã trở nên uy tín hơn bao giờ hết.
Hình ảnh / Wiki
Bằng tiền của họ, các cơ sở giáo dục và cơ sở văn hóa đã được xây dựng, hiện là cốt lõi của thế giới âm nhạc cổ điển. Như vậy, giới thượng lưu không chỉ bảo vệ vị trí của mình trong văn hóa âm nhạc châu Âu mà còn nắm quyền kiểm soát sự phát triển của nó.
Phê bình âm nhạc và báo chí
Những tờ báo đầu tiên đăng bài đánh giá về các tác phẩm âm nhạc cũng bắt đầu được xuất bản vào cuối thế kỷ 18 - gần như cùng thời điểm với sự xuất hiện của các nhạc viện, hiệp hội triết học và các trường âm nhạc quen thuộc với chúng ta. Nếu các cơ sở giáo dục đặt ra tiêu chuẩn về chất lượng biểu diễn và sáng tác thì các nhà phê bình đã đặt câu hỏi về điều đó.
Nhiệm vụ của họ là phân biệt cái vĩnh cửu với cái nhất thời nhấn mạnh tính vượt thời gian của âm nhạc đỉnh cao trong truyền thống hàn lâm. Ngay trong thế kỷ XNUMX, nghệ sĩ guitar Frank Zappa đã nhận xét một cách cay đắng rằng “nói về âm nhạc cũng giống như khiêu vũ về kiến trúc”. Và khá chính đáng.
Phê bình âm nhạc có nguồn gốc từ âm nhạc, thẩm mỹ và triết học. Để viết được một bài đánh giá tốt, bạn cần phải có kiến thức ở cả ba lĩnh vực. Nhà phê bình phải hiểu các khía cạnh kỹ thuật trong tác phẩm của nhạc sĩ và nhà soạn nhạc, đưa ra những đánh giá thẩm mỹ và cảm nhận được mối liên hệ của tác phẩm với cái “tuyệt đối” - vượt ra ngoài những chi tiết cụ thể. Tất cả những điều này làm cho phê bình âm nhạc trở thành một thể loại rất cụ thể.
Ngay sau khi xuất hiện, phê bình âm nhạc đã tràn từ các ấn phẩm chuyên ngành đến các trang báo chí đại chúng - các nhà phê bình âm nhạc đã khẳng định mình là một phần không thể thiếu của văn hóa báo chí. Trước sự phổ biến của các bản ghi âm, các nhà báo âm nhạc đã xem xét các buổi biểu diễn, đặc biệt là các buổi ra mắt.
Phản ứng của các nhà phê bình đối với buổi ra mắt tác phẩm có thể quyết định số phận tương lai của nó. Ví dụ, sau Bản giao hưởng đầu tiên của Rachmaninov trên các trang của ấn phẩm “Báo tin tức và trao đổi” ở St. Petersburg, tác phẩm đã không được biểu diễn cho đến khi nhà soạn nhạc qua đời.
Do nhu cầu hiểu rõ khía cạnh kỹ thuật của việc sáng tác, vai trò của các nhà phê bình thường do chính các nhà soạn nhạc đảm nhận. Đánh giá được đề cập ở trên được viết bởi - Thành viên của "Mighty Handful". Họ cũng nổi tiếng vì những bài đánh giá của họ và Schumann.
Báo chí âm nhạc đã trở thành một yếu tố quan trọng của hệ sinh thái âm nhạc mới của thế kỷ 19. Và giống như các khía cạnh khác của "ngành công nghiệp non trẻ" này, nó cũng được kiểm soát bởi tầng lớp thượng lưu có học thức, có đặc quyền với các tiêu chuẩn học thuật.
Trong thế kỷ XX, tình hình sẽ thay đổi đáng kể: Tinh hoa sẽ được thay thế bởi công nghệ, các nhà soạn nhạc-nhà phê bình đang được thay thế bởi các nhà báo và DJ âm nhạc chuyên nghiệp.
Hình ảnh /Unsplash
Chúng tôi sẽ nói về những điều thú vị đã xảy ra với giới phê bình âm nhạc trong giai đoạn này trong bài viết tiếp theo của chúng tôi. Chúng tôi sẽ cố gắng chuẩn bị sớm nhất có thể.
PS Loạt tài liệu gần đây của chúng tôi “'.
Nguồn: www.habr.com